La première fois que j’ai entendu parler de Drive, le pitch ne m’a pas du tout intéressé et je n’y ai vu qu’un clone déguisé de Fast&Furious et autres 60 secondes chrono. Puis les excellents avis et critiques sont tombés, mettant en avant l’ambiance et la réalisation. Je m’étais trompé, Drive est à des kilomètres des films auxquels je le comparais, il était même différent de tout ce que à quoi je m’attendais. La surprise fut-elle heureuse ? Je vous laisse le découvrir.

Commençons tout de même par l’histoire de ce Drive :

Un jeune homme solitaire, « The Driver », conduit le jour à Hollywood pour le cinéma en tant que cascadeur et la nuit pour des truands. Ultra professionnel et peu bavard, il a son propre code de conduite. Jamais il n’a pris part aux crimes de ses employeurs autrement qu’en conduisant – et au volant, il est le meilleur !

Évidemment, une femme se mettra au milieu de tout ça et l’histoire partira en cacahuètes. Mais là où le synopsis (et la bande annonce d’ailleurs) laissait croire que ces fameuses virées nocturnes serait un élément-clé du film, il n’en est rien. Le film souhaite nous emmener ailleurs, le « Driver » n’étant pas du tout un gangster vivant la nuit. Qui est-il d’ailleurs ? Dur de le dire, on ne connaîtra jamais son nom, on sait seulement que sa vie tourne autour des voitures et qu’il n’a pas grand chose d’autre. Sa rencontre avec Irène et son fils viendra changer tout ça au fur et à mesure qu’il commencera à vivre en leur compagnie.

Il n’est pas simple de parler de ce film, si je le décortiquais à la manière d’un test de jeux vidéo il n’y aurait pas grand chose à redire : mis à part le scénario qui est globalement plutôt mauvais tout le reste est réussi. A commencer par une bande originale qui restera dans les annales tant elle colle aux images et donne au film une ambiance incroyable. Ajoutez à cela une réalisation de haut vol et vous aurez tous les ingrédients pour voir un très grand film. Mais voilà, si certains trajets en voiture sont simplement magnifiques, si les quelques scènes d’action sont d’une violence et d’un impact rares, si le héros est très attachant et même si j’aurais voulu aimer ce film qui a absolument tout pour que je le porte aux nues, rien n’y a fait : je me suis ennuyé.

Pourtant, j’adore ces films qui prennent leur temps et qui nous le font prendre pour apprécier des images, une musique…Mais là c’est trop, j’ai parfois l’impression de revenir 10 ans en arrière avec un usage immodéré des ralentis, un héros qui n’est pas « peu bavard » mais qui ne parle pratiquement pas, donnant à certaines scènes censées être émotivement fortes un côté pathétique. A vouloir trop miser sur l’ambiance, le talentueux Nicolas Winding Refn a oublié qu’un film est avant tout une histoire.

Techniquement réussi avec une ambiance dingue et un acteur charismatique (le très bon Ryan Gosling que l’on reverra très bientôt je pense), Drive ne m’a jamais embarqué dans son histoire trop simple. Peut-être la faute à un personnage principal pas vraiment intéressant ou à des séquences beaucoup, beaucoup trop longues. Reste une BO surpuissante et quelques scènes soit magnifiques, soit très percutantes, qui me laissent personnellement d’énormes regrets.

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Si vous avez envie de faire plaisir à votre copine en regardant un film « de fille » sans avoir à vous arracher la moitié du visage devant la niaiserie inhérente à ce genre, j’ai peut-être un film qui peut vous sauver. Comme la voix-off le dit en intro, « (500) jours ensemble » n’est pas une histoire d’amour, mais une histoire de couple, ce qui change beaucoup de choses.

Même s’il s’agit avant tout d’un film « de couple » et même si vous êtes allergiques aux comédies romantiques, ne le mettez pas directement à la poubelle et donnez lui une chance. Voici donc le speech :

Tom croit encore en un amour qui transfigure, un amour à la destinée cosmique, un coup de foudre unique. Ce qui n’est pas du tout le cas de Summer. Cela n’empêche pourtant pas Tom de partir à sa conquête, armé de toute sa force et de tout son courage, tel un Don Quichotte des temps modernes.

Je sais, comme ça ce n’est pas engageant, et pourtant. Loin des clichés des films romantiques, (500) jours ensemble raconte l’histoire d’une relation…sur 500 jours sans passer par la case nian-nian. Jouant énormément avec cette idée de délai qui apparaît comme un couperet (la fin est connue dès le début), le réalisateur nous ballade d’un moment à l’autre sans que l’on ne soit jamais perdu, grâce à un montage vraiment bien foutu et de nombreuses bonnes idées de réalisation.

L’histoire est passionnante intéressante car crédible et sonne vraie. Quiconque a déjà eu une aventure amoureuse un tant soi peu sérieuse se reconnaitra tôt ou tard. L’écriture est fine et le film se laisse réellement regarder avec beaucoup de plaisir, d’autant qu’il est porté par un duo d’acteurs convaincants : Joseph Gordon-Levitt (que vous avez déjà vu dans Inception) et la charmante Zooey Deschanel. Ajoutez à cela une bonne dose d’humour et vous aurez compris que film vous fera passer un agréable moment.

Ni navet, ni chef d’oeuvre, (500) jours ensemble est simplement un bon film qui remplit bien son rôle : il divertit. Si on le compare aux autres comédies romantiques, il atteint même le (très) haut du panier assez facilement. Si comme moi, vous avez envie de foutre des grandes claques dans la tête d’Anne Hathaway (en espérant qu’elle ne bousille pas complètement son prochain rôle de Catwoman) mais que vous voulez tout de même un peu de douceur dans une filmographie de brute, ce film est un très bon compromis. Et vous pourrez toujours aller voir « Captain America » dans la foulée pour refaire le plein de testostérones !

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Comme dit dans l’article précédent, le 10 juin a eu lieu la 28ème Kino-session à Bordeaux qui était pour l’occasion projetée en plein air place Camille Julian avec un concert des April Shower en première partie. Retour sur cette session qui a connu des hauts et malheureusement un gros bas.

Car avouons-le, si cette session a connu un joli succès en terme de fréquentation avec une place bien remplie (le site annonce près de 1500 spectateurs) malgré la pluie qui s’est invitée, il y a eu un gros couac : le son, problème récurrent dans les sessions mais qui a atteint des succès ici. Apparemment les gens placés devant entendaient bien, mais nous qui étions vers le fond de la place, on n’entendait juste aucun dialogue, ce qui est vraiment gênant quand son film est en partie basé dessus… Sans compter que contrairement à d’habitude où les spectateurs sont très respectueux des films, il y avait cette fois-ci énormément de gens qui parlaient pendant la projection, ce qui n’aidait vraiment pas. Même le concert était pratiquement inaudible, alors que ça aurait du être un gros plus pour la soirée.

Dommage donc, surtout que la toile utilisée pour la projection était très grande et donnait un vrai côté « cinéma » à la soirée. Je voudrais juste préciser que je ne critique pas juste pour me plaindre, je sais que l’association fait ce qu’elle peut avec ses moyens et je suis conscient de la difficulté d’organiser ce genre d’événement. Mais je me dis qu’avec quelques petits ajustements en plus, le confort des sessions pourraient être grandement amélioré, et avouons que voir son « travail » mis à mal à cause d’un souci de son ou de codec est râlant. La soirée était tout de même très agréable dans l’ensemble et c’est toujours très sympa d’y participer.

Je vous laisse tout de même avec le film qu’on a présenté à cette session, réalisé à la va-vite et au dernier moment (avec le recul, je vois beaucoup de choses à améliorer, mon dieu), j’espère qu’il vous plaira. N’hésitez pas à dire ce que vous en pensez dans les commentaires et en octobre pour la prochaine session avec pour thème « La fin du monde » et la contrainte « Faire sursauter l’audience« .

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Après un Scream 4 dont l’horreur n’était pas la seule préoccupation, parlons d’un vrai film d’épouvante espagnol : « les yeux de Julia » sorti en DVD fin avril. Produit par Guillermo del Toro et mettant en scène la convaincante Belén Rueda (qui jouait déjà à peu près le même rôle dans « l’orphelinat« ), voici un film qui montre qu’on peut toujours faire peur avec peu.

Petit mot sur l’histoire :

Lorsque Julia apprend la mort de sa soeur aveugle, tout pousse à croire qu’elle s’est suicidée. Mais celle-ci n’y croie pas et veut comprendre ce qu’il s’est passé, malgré le fait qu’une maladie dégénérescente dont elle souffre prend le dessus, la plongeant petit à petit dans l’obscurité.

Si elle peut paraître aux premiers abords plutôt classique et n’évite pas plusieurs clichés (l’héroïne seule à rechercher la vérité tandis que tout le monde lui dit d’arrêter…), l’histoire parvient à attirer le spectateur en lui fournissant des informations au compte-gouttes et en posant plus de questions qu’elle ne donne de réponses. Flirtant avec le fantastique, le film sait garder ses secrets jusqu’à la fin. Simple mais efficace.

Mais la vraie force de ce film est sa réalisation qui parvient à nous maintenir sous pression pendant quelques scènes très très bien foutues. Plus qu’un détail, la cécité progressive de l’héroïne est bien intégrée, que ce soit dans le récit ou la réal’. Quelques bonnes idées et une fin ingénieuse (toujours dans la manière de filmer) sont là pour assister un scénario probant (sans être génial non plus), ce qui donne au final un vrai film d’épouvante diablement efficace.

Alors, un vrai grand film d’horreur ces « yeux de Julia » ? Oui…pendant 1h40. Malheureusement, scénaristiquement la fin ne tient pas ses promesses. A trop hésiter à entrer dans le fantastique, le film devient quelque peu bancal avec un final franchement mauvais. Seul un flash au niveau de la réalisation saura relever le niveau et donnera encore plus de regrets, car le film aurait pu être un très grand film d’horreur comme les hispaniques savent si bien les faire (Les autres, l’orphelinat, Tesis…). Il n’en reste pas moins sacrément efficace et flippant, dommage que cette fin ratée laisse ce mauvais goût dans la bouche.

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En ce moment je ne sais pas si c’est la période qui veut ça (un peu avant l’été)  ou si c’est simplement en grand vide cinématographique mais j’ai l’impression que tout les films que je regarde sont des navets et c’est de pire en pire. Pour  éviter de perdre du temps, petite liste des films à fuir made in 2010  !

Le premier c’est Sex friends, avec un titre pareil on s’attend pas forcement à un grand film mais avec Natalie Portman dans le casting on ne sait jamais … Attention c’est un piège ce film est nul, à réserver aux fans de grey’s anatomy uniquement ! Il est interminable, dès le début on sait déjà comment ça va finir … Et que dire du grand « Ashton twitter Kutcher », je crois que l’oscar du pire acteur lui tend les bras …

Pour me remettre de ce navet il me fallait du lourd alors j’ai enchainé avec un film qui a plutôt bien marché : Skyline. Si vous voulez le voir c’est le moment de quitter l’article,  j’ai du mal à comprendre ce genre de film sans aucune logique ! Le scénario tient sur un post-it, les personnages sont débiles et tout se passe dans le même décor ! C’est fatiguant à regarder, seul truc sympa de ce film c’est de retrouver Turk. Dans le même genre on a aussi Monsters, l’histoire est presque identique mais c’est la version anglaise ! Dans ce dernier il y a un minimum d’histoire et les paysages sont magnifiques mais ces 2 films sont sans intérêt ! Pourquoi perdre 2 heures à regarder un film qui ne sert à rien …

J’ai gardé le meilleur pour la fin : HereAfter ou Au delà ! Clint Eastwood m’avait habitué à tellement mieux, je sais pas si c’est l’âge mais le film est plat. Pourtant le début est vraiment bon mais 10 petites minutes sur 2 heures c’est un peu léger. L’histoire est molle sauf peut être celle du garçon,  le reste est creux et je parlerai même pas de la fin bâclée !

Je parlerai même pas de TRON Legacy, ce film est une arnaque !!! Je crois que je vais arrêter les films pendant un petit moment, en attendant des valeurs « sures ». Heureusement que j’ai encore les 3 saisons de Breaking Bad en réserve pour me remonter le moral !

10 ans, c’est le temps qu’il aura fallu à Wes Craven pour remettre le couvert pour un nouvel épisode de Scream. Après un troisième opus fatigué, le réalisateur (accompagné du scénariste des deux premiers) nous revient avec les anciens survivants (Neve Campbell en tête) accompagnés d’une nouvelle génération au sang frais. Que vaut ce quatrième volet : digne successeur des deux premiers films ou arnaque à la suite ? C’est ce que nous allons voir ici.

Je ne vais pas m’attarder sur l’histoire, elle est classique et permet de nous mettre directement dans le bain :

Sidney Prescott est de retour à Woodsboro pour le lancement de son livre qui lui a permis de tourner la page du Ghostface et d’aller de l’avant. Évidemment, son retour sera aussi celui du tueur.

Un retour aux sources pour Sidney donc, qui signifie aussi celui du spectateur qui a vieilli en même temps que ces héros. Après avoir vu une brochette de bimbos blondes nouvelle génération (Anna Paquin et Kristen Bell par exemple), la première arrivé d’une Neve Campbell au visage un peu bouffi (volontairement il me semble, cet effet disparaissant lorsque le film avance) nous fait prendre conscience du temps qui passe. Le slasher, teen-movie par excellence, va-t-il pouvoir s’adapter à la fois au public du premier Scream qui en a vu d’autres depuis sa sortie en 1996 et à un nouveau plus jeune ?

Pour y arriver, ce Scream 4 mise sur les mêmes ingrédients que le premier : humour et frisson sur un fond de relation cinéma-réalité. Pas de souci pour ce dernier point, le film allant plus loin dans ce sens que les précédents. En utilisant Stab (film tiré des incidents de Woodsboro à l’intérieur de Scream), Craven se permet à la fois d’analyser ses autres films tout en lançant des piques aux films « gores » qui ont remplacé les slashers (Saw qui a le même nombre d’opus que Stab, tiens tiens). Il n’oublie pas non plus les habituels clins d’œil aux classiques du genre (Halloween).

Restent l’humour et la peur. La force du premier Scream (en plus d’avoir placé le film dans un contexte naturel, loin du fantastique) venait de son mélange de phases de grand stress et de moments beaucoup plus légers. Autant le dire tout de suite : ce dernier fait finalement plus rire  (mais volontairement) que peur. Mis à part une scène d’intro bien maîtrisée et quelques sursauts, rien d’extraordinaire côté frissons. Le réalisateur a décidé de s’amuser avec ses propres codes et va parfois chercher du côté de la parodie tout en nous le disant plusieurs fois dans le film : ce film est à la fois un remake, une parodie, la parodie d’un remake…Tous les poncifs du genre sont présents : du tueur surpuissant qui disparait en un clin d’oeil aux flics impuissants (même s’il manque clairement une scène de fesse normalement réglementaire).

Que vaut vraiment ce Scream 4 alors ? C’est un très bon film pop-corn, très divertissant qui a su se mettre au gout du jour (utilisation des smartphones et d’Internet). On sursaute un peu, on rigole beaucoup et on s’amuse à repérer les références aux anciens Scream et autres films d’horreur. En se moquant de lui-même et de ses codes jusqu’à la parodie, Craven coupe intelligemment l’herbe sous les pieds d’éventuels détracteurs d’un genre qui n’a plus le vent en poupe. Et lorsqu’on sait que ce film doit être le premier d’une nouvelle trilogie, on se dit que c’est le meilleur moyen de préparer le terrain pour une suite réellement terrifiante cette fois. Ghostface n’a sans doute pas dit son dernier mot.

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Présenté comme le sauveur du cinéma français à sa sortie, « Les petits mouchoirs » a été un très gros succès, autant critique que financier. Pour vous dire, même Medvih a aimé. Quelques temps après sa sortie DVD, j’ai pu mettre la main dessus, ce film tient-il ses promesses ?

Honnêtement…non. Pour tout avouer, je me suis beaucoup ennuyé devant cette histoire « d’amis » qui partent en vacances ensemble tout en trouvant le temps de s’envoyer chié toutes les 30 secondes. Si le but du film est de montrer que, passé un certain âge il est dangereux de partir avec d’autres gens, c’est réussi, mais je ne suis pas sûr que c’était le pitch de départ.

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Pourtant, tout commence plutôt bien : la première scène est un plan séquence très réussi et maitrisé, les acteurs sont tous très bons, la BO est un modèle du genre et la réalisation joue bien son rôle. Mais voilà, un film c’est avant tout une histoire, et une fois les présentations faites, on a vaguement l’impression qu’il ne se passe pas grand chose. Les personnages sont très caricaturaux (le râleur, le romantique, l’indépendante qui multiplie les amants, les verres de vin et les pétards, le-dragueur-qui-a-une-copine-qu’il-trompe…), les dialogues rarement inspirés et les situations sont parfois à la limite du grotesque (la relation Cluzet-Magimel, traitée sans aucune finesse). Et que dire de cette fin chialante au possible, un grand et bel exemple de pathos, à ne pas reproduire chez soi.

Vous l’aurez compris, je n’ai pas vraiment aimé ces « Petits mouchoirs« . Ce n’est pourtant pas un mauvais film, il est juste dommage qu’il soit si chiant, prévisible et larmoyant (il le fait d’ailleurs bien, même sans être attaché aux personnages, il parvient à nous faire monter les larmes). Pourtant, avec sa distribution cinq étoiles (Cluzet, Magimel, Cotillard, Dujardin…) et le talent que Guillaume Canet a déjà montré derrière la caméra, ce film aurait pu sonner un vrai renouveau du cinéma français « populaire », dommage qu’on n’assiste au final qu’à un pétard mouillé à l’eau du bassin, sauvé seulement par des musiques inspirées (le « Talk to me » de Yodelice, petit moment magique du film).

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Le parcours d’Aronofsky en tant que cinéaste a de quoi laisser rêveur : « Pi » était un premier film réalisé avec peu de moyens mais possédait déjà une identité forte et augurait du meilleur pour l’avenir. « Requiem for a dream » a rapidement acquis un statut de « film culte ». Je ne reviendrai pas sur le sublime et parfait (oui oui, parfait) « The fountain » ni sur le déroutant « The wrestler » qui aura permis au réalisateur de ressusciter, à la manière d’un Tarantino, un Mickey Rourke au fond du sceau. Avec « Black Swan« , non seulement Aronofsky poursuit son sans faute, mais il a trouvé sous les traits de Natalie Portman une égérie qui restera longtemps dans les mémoires.

Pourtant sur le papier, Black Swan a tout du film chiant :

Rivalités dans la troupe du New York City Ballet. Nina est prête à tout pour obtenir le rôle principal du Lac des cygnes que dirige l’ambigu Thomas. Mais elle se trouve confrontée à la belle et sensuelle nouvelle recrue, Lily…

Oui, vous avez bien lu : ballet et Lac des cygnes, tout le film tourne autour de cela, des rivalités entre danseurs et des sacrifices nécessaires à cet art. Mais là où beaucoup de réalisateurs se seraient contentés de faire danser leur héroïnes en y ajoutant un peu d’amour dans un film aux cinq actes règlementaires, Aronofsky brise les règles et transforme cette histoire en un thriller fantastique et fantasque.

Pour expliquer pourquoi ce film est un véritable chef-d’oeuvre, on pourrait parler de l’histoire, qui ne se contente pas de reprendre celle du ballet mais la transcende. On est aussi obligé de dire combien Natalie Portman est splendide, éblouissante et simplement parfaite dans ce conte qu’elle porte à bout de ses fragiles bras, maitrisant toutes les (nombreuses) émotions que traverse son personnage. Et comment ne pas mentionner la musique de Tchaïkovski reprise magnifiquement pour s’adapter à toutes les ambiances du film. On peut aussi remarquer que la réalisation reprend en partie celle de The Wrestler avec une caméra qui ne se concentre pratiquement que sur le personnage principal, avec des séquences rappelant celles de Gus Van Sant.

Mais décortiquer un tel film ne serait pas lui rendre hommage, bien au contraire. « Black swan » est un film qui se ressent, rempli d’émotions fortes et variées que l’on se prend en pleine figure et qui nous vide. Car on sort de ce film exténué et la douceur du générique ne sera pas de trop pour se remettre de ce trop plein d’émotions. Il faut dire que si le film entier est une montée en pression constante et sans répits, le final dantesque où Natalie Portman, pleine de grâce et de puissance, crève littéralement l’écran de son talent, nous achève, nous laissant le souffle court à la recherche dans le réel d’un peu de cette beauté qui vient de nous être jeté au visage.

Vous l’aurez compris, Black Swan est à la fois un film intelligent, sensible et dur. Une histoire de bien et de mal qui dépasse tous les clichés et envoie dans la figure du spectateur des émotions brutes qu’on digère tant bien que mal. On en sort vanné mais heureux, conscient d’avoir vécu un de ces grands moments de cinéma, rares et puissants. A voir absolument.

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Il n’aura fallu qu’une scène pour rendre Gaspar Noé connu. Il faut dire que le long plan séquence du viol de Monica Bellucci dans « Irréversible » avait de quoi choquer. Au-delà de sa violence crue, le film a aussi marqué par ses longues séquences non coupées avec une caméra très flottante (souvent critiquées) et son montage nous contant l’histoire à l’envers. 8 ans plus tard, le réalisateur est revenu avec « Enter the void« , film psychédélique aux accents tokyoïtes. Retour sur un film qui ne laissera personne indifférent.

L’histoire d’ »Enter the void » tient sur quelques lignes : Oscar vit à Tokyo depuis peu de temps et vit de petits trafics. Sa sœur, dont il est très proche, l’a rejoint dans la capitale japonaise. Un soir, il se fait touché par une balle lors d’une descente de la police. On suit alors son âme qui divague sur la ville, suivant les étapes post-mortem décrites dans le « Le Livre des Morts Tibétain« .

Dire que le film possède une identité visuelle forte est encore loin de la vérité. Non seulement la réalisation est une fois de plus surprenante, la quasi-intégralité étant filmée en vue subjective avec de nombreux passages dans la mort donnant lieu à des plans flottants rappelant son précédent film ; mais le choix de prendre Tokyo en toile de fond n’est bien sûr pas anodin, permettant au réalisateur de nous faire entrer dans un univers composé à la fois des ténèbres des bas-fonds et des lumières hallucinogènes du centre. Et des hallucinations vous en allez en avoir, et il vaut mieux ne pas être épileptique dés le générique de début.

Car la première chose qui vient en tête lorsqu’on veut parler de ce film, c’est qu’il s’agit d’un trip. Impossible de dire à l’avance si quelqu’un va l’aimer ou pas. A vrai dire, soit on entre dedans et on vit une réelle – et rare ! – expérience cinématographique, soit on s’emmerde royalement. J’ai fait parti de la première catégorie, vivant le film comme une prise de drogue. Si certaines scènes nous emmènent dans une espèce de transe, la plupart nous mettent mal à l’aise, à la manière d’un bad-trip. Vous aurez alors envie de sortir de tout cela, mais on reste prisonnier du réalisateur (à moins de ne pas jouer le jeu et de couper le film, évidemment) qui nous emmène où il le désire, c’est à dire très très loin.

Il faut réellement voir ce film comme une expérience, à la manière d’un « 2001″ avec qui les ressemblances sont assez frappantes. Violent, crû mais néanmoins génial, Enter the void peut vous emmener plus loin que n’importe quel film s’il parvient à vous transporter. Je suis personnellement entré complètement dedans, et à vrai dire, après le générique de fin, il m’a fallu quelques heures pour en sortir complètement, l’esprit encore embrouillé, comme après une cuite. OVNI aux effets spéciaux superbes de discrétion, ce film n’est pas parfait (dans son rythme notamment) mais l’intérêt est ailleurs : on ne regarde pas Enter the void, c’est lui qui nous transporte.

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